РОЛЬ ИСКУССТВА И АРТ-ДИЗАЙНА В ДИЗАЙНЕ ОДЕЖДЫ

АННОТАЦИЯ

Эта статья посвящена исследованию творческой роли искусства и арт-дизайна в дизайне одежды. Такая категория как дизайн одежды рассмотрена в качестве объекта искусства и качестве объекта арт-дизайна. На примере различных этапов производства авторской коллекции одежды показано влияние искусства на сферу производства одежды. Предмет исследования – проектные концепции в дизайне одежды. Тема исследования – связи искусства и модной индустрии, которые рассматриваются как основа для формирования концепции арт-дизайна.

ABSTRACT

This article explores the creative role of art and art design in fashion design. Such a category as fashion design is considered as an object of art and as an object of art design. Using the example of various stages of production of the author's clothing collection, the influence of art on the sphere of clothing production is shown. The subject of the study is design concepts in fashion design. The topic of the research is the relationship between art and the fashion industry, which are considered as the basis for the formation of the concept of art design.

Ключевые слова: арт-дизайн, творческая концепция, искусство и мода, дизайн одежды, высокая мода, кутюрье, роль  искусства.

Keywords: art design, creative concept, art and fashion, fashion design, high fashion, couturier, role of art.

.

Мода и искусство – два могущественных мира, которые тесно переплетаются и вдохновляют друг друга. Они олицетворяют креативность, выражение личности и способность человека создавать что-то новое и удивительное. Искусство и мода, будучи двумя разными проявлениями человеческой деятельности, обогащают друг друга и вдохновляют дизайнеров на создание уникальных образов.

Цель исследования – выявить особенности взаимодействия искусства с творческой практикой дизайна одежды, причины представления костюма как произведения искусства. Гипотеза исследования – связь искусства и индустрии моды может стать эффективной маркетинговой стратегией, представление дизайн – объекта в качестве произведения искусства наделяет его дополнительной символической ценностью, а также повышает социальный статус его создателя. Благодаря культурологическому и системному подходам развитие концепции арт-дизайна было рассмотрено в связи с социальными и культурными процессами.

Показаны разнообразные варианты связей дизайна одежды и искусства – от представления костюма как произведения искусства до обращения к живописи как к творческому источнику. Арт-дизайн исследован как одна из концепций в проектировании костюма, в том числе с учетом социальных аспектов. Подобный подход к проблеме арт-дизайна представляется перспективным с точки зрения исследования плодотворного взаимовлияние дизайна и искусства.

Мода как художественное произведение. Мода – это не просто одежда. Это художественное произведение, воплощение идеи дизайнера, которая может вдохновить и подчеркнуть красоту человеческого тела. Искусство и дизайн одежды имеют много общего. Однако, что делает моду действительно уникальной – это ее способность воспроизводить историю, транслировать настроение, и даже коммуницировать социокультурные значения.

Искусство как вдохновение. Художники всегда были источником вдохновения для мировых дизайнеров. От живописи и скульптуры до абстракционизма и сюрреализма – искусство дарит моде новые идеи, формы и цвета. Имена художников, таких как Винсент ван Гог, Пабло Пикассо и Энди Уорхол, остаются актуальными и вдохновляют новые коллекции.

Первым портным, кто стал создавать себе имидж художника, был Чарльз Фредерик Уорт, учредивший в 1868 году Синдикат высокой моды. Причиной появления «высокой моды» стала потребность элиты в особенной, «эксклюзивной» моде, которая была бы недоступна средним классам (это стало особенно актуальным в связи с развитием массового производства). Одним из способов придания платьям «от кутюр» индивидуальности стало их представление как произведений искусства. Уорт придумал «подписывать» модели, пришивая на них бирку со своим именем (правда, в отличие от современных лейблов, она была скромно пришита с изнанки). Он хотел, чтобы высокую моду воспринимали не как ремесло, а как один из видов декоративного искусства, а кутюрье (хотя дословно переводится с французского как «портной»), по его мысли, стал бы не ремесленником, а художником. Связь с искусством придавала моделям кутюрье дополнительную символическую ценность, позволявшую их клиентам не только демонстрировать высокий социальный статус, но и индивидуальный вкус.

Рисунок 1. Ив Сен-Лоран, Пит Мондриан и де Стейл

Мондриан из Нидерландов был одним из первых художников, рисовавших абстрактное искусство в 20 веке. Он основал движение – De Stijl, целью которого было объединение современного стиля и реальности. В неопластицизме использовались только геометрические фигуры. Основные тона красный, синий, желтый сочетались с черным, серым и белым.

Большой поклонник искусства француз Ив Сен-Лоран использовал картины художника в своих работах. Воодушевленный геометрическими фигурами и яркими оттенками художника, он продемонстрировал шесть платьев для коктейля, стиль которых стал культовым. Это были безрукавные наряды простого А-силуэта длиной до колен. Они удачно украшали любой тип фигуры (Рис.1).

В 1910–1930 годах появились кутюрье, которые считали высокую моду особым видом пластического искусства. Принципиальное отличие их концепции от взглядов Уорта и Поля Пуаре было в том, что те создавали модные платья, то есть подчинявшиеся закономерности цикличности модных изменений, и связь с искусством позволяла их лучше продавать. Новый подход отличался тем, что эстетическое совершенство должно было стать основой художественной ценности творений, которые не должны быть связаны с меняющейся модой. Настоящее произведение искусства остается таковым и много лет спустя, полотнами Леонардо да Винчи, Рембрандта или Веласкеса публика восторгается до сих пор, а платья Уорта и Пуаре воспринимаются как музейные экспонаты. Лишь немногим удалось создать модели одежды, пережившие время своего «появления на свет» и которые до сих пор кажутся современными. К таким совершенным творениям можно отнести платья «дельфос» Мариано Фортуни (будучи не кутюрье, а художником, он сумел добиться признания и коммерческого успеха в производстве тканей и одежды), драпированные платья Мадлен Вионне и Аликс (мадам Гре), некоторые модели Кристобаля Баленсиага. (Рис -2,3)                

Рисунок 2. Платье «дельфос» М. Фортуни  

Рисунок 3. Платье Дома высокой моды «Аликс», 1938

В 1970-е гг. в США возникло направление «Искусство как одежда» (или «Одежда как искусство»). Создателями этого направления были художники, занимавшиеся декоративно-прикладным искусством, создававшие объекты, которые одновременно были и предметами одежды, которые можно было носить, и произведениями искусства для украшения интерьера, например, в качестве декоративных панно.

В 1970–1990-х гг. искусство и мода стали взаимодействовать еще активнее. Ведущие музеи мира стали создавать выставки, посвященные кутюрье и дизайнерам одежды. Одежда из магазина переместилась в выставочное пространство, что также способствовало ее восприятию в качестве произведения искусства, как и превращение модного дефиле в театрализованное шоу или перформанс.

Экспрессия через одежду. Как и искусство, мода дает возможность выразить свои мысли, чувства и индивидуальность. Она позволяет создавать образы, которые отражают ваш внутренний мир и многогранный характер. Одежда становится холстом, на котором каждый человек может создать свой собственный шедевр.

Мода и социокультурный контекст. Мода всегда была отражением социокультурного контекста. Она адаптируется к изменениям в обществе, отражая дух времени. Искусство играет ключевую роль в формировании культурных ценностей и влияет на модные тенденции. Дизайнеры, вдохновленные произведениями искусства, могут внести важные изменения в модную индустрию.

Рисунок 4. Мадлен Вионне: художник, вдохновившийся древней историей

Симбиоз искусства и моды становится все более очевидным. Модные показы превращаются в настоящие художественные выставки, а дизайнеры становятся художниками, создающими уникальные произведения. Искусство, в свою очередь, может вдохновить дизайнеров на создание экстравагантных коллекций.

Ваша собственная картина. Носить модную одежду – это как носить собственную картину. Ваш стиль – это ваше художественное произведение, и вы решаете, что включать в свой образ. Вы можете комбинировать цвета, формы и структуры, создавая неповторимый облик.

Искусство в каждой детали. Мода и искусство вечно связаны, обогащая и вдохновляя друг друга. Вы можете носить искусство, придавая своему образу глубину и смысл. Так что в следующий раз, когда вы выберете свой наряд, вспомните, что это не просто одежда – это ваша собственная картина, созданная с любовью и вдохновением искусством. Откройте для себя свой собственный мир моды и искусства, и позвольте им вдохновлять вас каждый день.

ЗАКЛЮЧЕНИЕ

В настоящем исследовании:

− был проведен анализ творческой практики дизайна одежды в исторической перспективе с целью выявления этапов становления концепции арт-дизайна;

− исследованы причины стремления представлять одежду, прежде всего модели «от кутюр», как предмет искусства, а деятельность кутюрье – как художественную деятельность;

− обосновано стремление кутюрье позиционировать себя в качестве художников ради повышения своего социального статуса;

− показаны возможности превращения связей искусства и модной индустрии в эффективную маркетинговую стратегию;

− проанализировано, как представление дизайн – объекта в качестве произведения искусства наделяет его дополнительной символической ценностью;

− показаны мотивы обращения к созданию одежды профессиональными художниками в разные периоды.

Рассмотренные примеры из истории дизайна костюма дают основания полагать, что концепция арт-дизайна получила признание и имеет реальные перспективы для развития в будущем. Искусство и арт-дизайн в одежде позволяют дизайнерам не только создавать красивые вещи, но и экспериментировать с формой и смыслом. Будущее моды будет продолжать развиваться через взаимосвязь с искусством, интегрируя новые технологии и культурные изменения.

Список литературы:

1. Аронов В.Р. Концепции современного дизайна. 1990–2010. М., Артпроект, 2011. 224 с.
2. Гофман А.Б. Мода и люди. Новая теория моды и модного поведения. М.: КДУ, 2015, 228 с.
3. Ермилова Д.Ю. Методы проектирования костюма в эпоху постмодерна// Сервис plus. Научный журнал. Т. 10. 2016. № 4. С. 45–56.
4. Ким С.Б. Является ли мода искусством? // Теория моды: одежда, тело, культура. 2014. № 32 С. 29-57.
5. Лаврентьев М. Дизайн в процессе культуры. От арт-объекта до эклектики. М., Альпина Паблишер, 2018. 152 с.
6. Мода и искусство. М., Новое литературное обозрение, 2015. 272 с.
7. Пуаре – король моды. Каталог выставки. Федеральное государственное учреждение культуры «Гос. историко-культурный музей-заповедник “Москва Кремль”. М: ООО “АзБука»”, 2011. 308 с.
8. Blum Dilys E. Shocking! The Art and Fashion of Elsa Schiaparelli: exhibition, Philadelphia Museum of Art, September 28, 2003 - January 4, 2004.- Philadelphia Museum of Art, 2003. 320 с.
9. Baudot F. Mode et surréalisme. – Assouline, 2002. 79 р.
10. Eicher J. Dress// Routledge International Encyclopedia of Women: Global Women's Issues and Knowledge / Ed. by C. Kramarae and D. Spender. N.Y.: Routledge, 2000.  422 р.
11. Hollander A. Seeing through Clothes. Berkeley, 1993. 504 р.
12. Kawamura Y. The Japanese Revolution in Paris Fashion. Oxford; N.Y.: Berg, 2004. 213 р.
13. Leon Talley A.Schiaparelli and the Artists Rizzoli, 2017. 256 р.
14. Malochet A., Bianchi M. Sonia Delaunay: atelier simultané: exposition, Bellinzona, Muse Villa dei Cedri, 11 avr. — 11 juin 2006. – Skira, 2006. 231 p.
15. Marly D. de. Worth: Father of Haute Couture. London: Elm Tree Books, 1980. 220 p.
16. Martin R. Fashion and Surrealism. Thames & Hudson, 1989. 238 p.
17. Martin R. Cubism and fashion: exhibition, New York, Metropolitan Museum of Art, December 10, 1998 — March 14, 1999. Metropolitan Museum of Art, 1998. 160 p.
18. Seeling C. Fashion: The Century of the Designer 1900-1999. Published by Konemann, Cologne, 2000. 656 p.
19. Steele, Valerie Paris fashion: a cultural history, Oxford University Press,1998,317 p.
20. Stern R. A contre-courant: vêtements d'artistes, 1900- 1940. Benteli, 1992. 162 p.